Anacronismo nei musei – La Tribune de l'Art

Vibratori e falli sono disposti in fila indiana vicino ad un famoso dipinto: La serratura. Questo capolavoro di Fragonard appare alla piega di un binario nella nuova mostra che il Museo delle Arti Decorative dedica a “L'intimo, dalla camera da letto ai social network”. Se il dipinto non proveniva da molto lontano, in prestito dal vicino Louvre, era indispensabile spostarlo e relegarlo tra i sex toy in una sezione riservata e lontana da occhi innocenti?

1. Vetrina di giocattoli sessuali

Mostra “L’intimo, dalla camera da letto ai social network”

Museo delle Arti Decorative di Parigi

Foto: bbsg

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C'è molto da dire su questa mostra, che è tanto più deludente perché prometteva di essere affascinante. Poiché l'argomento non è chiaramente definito, l'affermazione sembra incompleta. Perché inizia nel XVIII secolo? Fu in quel momento che apparve la parola “intimo”. Un convegno, però, si è fermato a lungo nel 2019 e nel 2021 su “Intimità e intimità nell’Età dell’Oro” [1] “. E se la parola non era in uso nei secoli XVI e XVII, la nozione appare in molteplici modi: innanzitutto nell'opera di diversi pittori – non è forse inerente all'arte di Vermeer? – anche nei vari soggetti rappresentati dagli artisti – la moglie del re Candaule ne è un buon esempio; è anche associato a certi luoghi – “Sire, Marly? » – e ad alcuni rapporti privilegiati – « Perché era lui, perché ero io ».

Non solo viene sacrificato il XVII secolo, ma viene limitato il posto riservato ai secoli XVIII e XIX; l'evocazione dell'intimità in questi tempi antichi è stata tuttavia sufficiente per sorprendere i visitatori del 21° secolo. Confinati nelle prime sezioni – come è avvenuto per la mostra sul Lusso (vedi l'articolo) – i pochi oggetti del passato si confrontano sistematicamente con quelli del presente, fin troppo invasivi.

Un'intera sezione dedicata agli orinatoi accompagna il visitatore da Bourdaloue a Toto. Il primo, che deve il nome a un gesuita, brillante predicatore dalle interminabili prediche, è un piccolo contenitore di porcellana o terracotta la cui forma si adatta all'anatomia femminile e che le signore infilavano sotto le gonne per alleggerirsi bevendo le parole del abate. Il secondo è il nec plus ultra del bagno nel 2024 con opzioni insospettabili. Tra i falli e i water, l'intimità al MAD non si esprime nel pizzo. Molto rapidamente il corso si concentra esclusivamente sui secoli 20° e 21°, concentrandosi sulle questioni sollevate dalle nuove tecnologie e dai social network, culminando nei video della famosa influencer Lena Situations, ben nota ai nostri lettori. (L'importante è sapere che affascina milioni di internauti parlando della sua frenetica vita quotidiana).

2. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806)

La serratura1777-1778

Olio su tela – 74 x 94 cm

Parigi, Museo del Louvre

Foto: Museo del Louvre

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Al di là della trattazione dell'argomento, certi commenti su opere antiche lasciano perplesso il visitatore. La presenza di Serratura viene quindi spiegato in questi termini: “ Esporlo oggi ci permette di mostrare che la questione del consenso non risale solo ai tempi attuali. » Perché scegliere proprio questa parola “consenso”, così rigorosamente definita nel 2024 in seguito a innumerevoli scandali sessuali, per commentare un'opera dell'Illuminismo e del libertinismo, il cui interesse è proprio l'ambiguità della scena? Accanto al dipinto, piccoli oggetti dalle decorazioni licenziose ricordano che “ nel Settecento, secolo libertino, si diffusero immagini erotiche legate al registro intimo, ma rimaste soggette allo “sguardo maschile”. “. Ricorda che l’espressione “ sguardo maschile » designa lo sguardo maschile, molto spesso posato sui corpi delle donne, che « impone una prospettiva maschile eterosessuale cisgender “. Questa formula così attuale è adatta quando si tratta di evocare il libertinismo e le immagini erotiche del XVIII secolo? Invece di analizzare il contesto storico, sociale e artistico in cui un’opera è stata realizzata, proprio per comprenderla meglio, preferiamo applicarvi le nozioni e i valori del nostro tempo.

Questa lettura anacronistica dell'arte antica permea un certo numero di mostre. Quella che il museo d'Orsay dedica attualmente a Gustave Caillebotte è sintomatica. Il suo progetto è stato ispirato dagli storici dell'arte americani [2] suggerendo che l'artista fosse guidato da desideri omosessuali repressi; Vogliono come prova il numero di uomini – vestiti, con due eccezioni – che popolano i suoi dipinti, nettamente superiore a quello delle figure femminili. Inoltre, se avesse abbandonato la figura umana negli anni Ottanta dell'Ottocento, dedicandosi ai fiori, sarebbe perché troppo doloroso era il disagio che provava davanti al corpo e allo sguardo dei suoi modelli maschili…

Ed è così che Caillebotte “esce” dall'oltretomba. La mostra non sa davvero cosa fare con la discreta Charlotte Berthier che era la sua compagna. Appare in molti dei dipinti del maestro e persino nuda come un verme su un divano in un dipinto di Minneapolis. L'artista l'ha inserita in particolare anche nel suo testamento. Ma questo non conta. Attraverso il suo sguardo, più ambiguo e più femminile di quanto si possa pensare, Caillebotte rivelerà anche una crisi di mascolinità all'interno della società francese dopo la guerra del 1870. In definitiva, tutti coloro che ammirano la sua pittura per l'audacia delle sue inquadrature e le sue prospettive, per i suoi punti di vista sulla città moderna e per il trattamento delle sue figure presentate di spalle o tagliate a metà, non comprendevano la vera audacia della sua arte.

Forse, probabilmente, perché no. Il visitatore tormentato dal dubbio si chiede: in primo luogo, questo approccio di contare figure femminili e maschili per determinare la sessualità di un pittore vale per tutti gli artisti? In altre parole, possiamo concludere che Berthe Morisot fosse lesbica, nonostante il suo matrimonio con Eugène Manet…? In secondo luogo, come potrebbe l'omosessualità inconfessata di un pittore – tanto meno evidente poiché non esistono archivi di famiglia – rendere il suo talento più ammirevole o la sua opera più moderna di quanto non sia già? In terzo luogo, questa lettura basata sulla questione del genere non è rivelatrice del nostro tempo piuttosto che di quello di Caillebotte? Suggerisci che lo sguardo dell'uomo sia rivolto verso l'interno Il ponte d'Europa (malato. 3) sarebbe “ più interessato al lavoratore verso il quale il suo sguardo sembra rivolto » più che dal suo compagno dice sicuramente più del redattore del cartello che di Gustave Caillebotte.

3. Gustave Caillebotte (1848-1894)

Il ponte d'Europaintorno al 1876

Olio su tela – 124,7 x180,6 cm

Ginevra, Petit Palais, Museo d’Arte Moderna

Foto: Wikipedia (dominio pubblico)

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Il desiderio di guardare all'arte antica attraverso le preoccupazioni del nostro tempo porta spesso a interpretazioni a dir poco infelici. Altro movimento essenziale del XXI secolo, il femminismo ha conseguenze inaspettate nei musei: spinti da un desiderio frenetico di mettere in risalto le donne, a volte organizzano mostre “pollaio” (vedi l'articolo). Questi riuniscono artisti il ​​cui unico punto in comune è il loro genere, il femminile, e che in definitiva sono troppo numerosi perché possiamo imparare qualcosa su di loro. Fortunatamente, alcuni progetti si basano su un discorso più sottile e più scientifico: la mostra “Donne tra i Nabis” a Pont-Aven non ha cercato di rendere giustizia alle artiste ingiustamente dimenticate dalla storia, ma ha tentato di mostrare il ruolo che hanno avuto con il mondo Nabis nel richiamare il contesto sociale dell'epoca (vedi articolo).

Un'altra lotta del 21° secolo, la lotta contro il razzismo, per quanto vitale sia, porta anche ad alcune aberrazioni nella lettura delle opere. Ricordiamo il siluro della pittura orientalista di Lilian Thuram al Museo Delacroix (vedi articolo). Molto più sfumata, anche la mostra sul “Modello Nero” a Orsay (vedi l'articolo) non è stata priva di anacronismi. Il progetto, nato ancora una volta negli Stati Uniti, ha avuto come punto di partenza lo studio dello scandalo scatenato dalOlimpia di Manet al Salon del 1865. Sebbene sia stato il prosaismo della scena della prostituzione a scioccare l'opinione pubblica, la storica Denise Murrell si stupì che il servitore nero rimanesse invisibile sia nelle critiche dell'epoca che nell'analisi di queste critiche. E per rendere giustizia a questa donna nera trascurata dalla storia, l'artista Larry Rivers ha progettato un'opera intitolata Mi piace Olympia in Black Faceinvertendo i ruoli della cameriera nera e dell'amante bianca. L'intenzione era lodevole, senza dubbio, ma portare una donna dallo status di serva a quello di prostituta è un successo sociale?

Questo desiderio di guardare all’arte attraverso le preoccupazioni del nostro tempo è spesso inetto e talvolta pericoloso quando un’opera è considerata troppo imbarazzante, inadatta ai nostri valori o semplicemente politicamente scorretta. Ricordiamo l’aberrante mostra al Museo del Lussemburgo “Specchio del mondo, capolavori del gabinetto di Dresda” che metteva in discussione ciascuno di questi tesori, e in particolare gli oggetti in avorio: “ Possiamo ancora esporre pezzi di avorio senza incoraggiare il commercio illegale? » (vedi articolo). Di questo passo nei musei non vedremo molto.

Tutte queste mostre alla fine saranno probabilmente oggetto di studio per una disciplina chiamata storia dell'arte, che studia tutte le forme di discorso sulle opere, ma anche sulle condizioni storiche e ideologiche in cui questi discorsi si sono sviluppati. Intanto speriamo che venga presto messo in luce Giuseppe Arcimboldo, lui che già annunciò la necessità di mangiare cinque tipi di frutta e verdura, anche Botero che lottò contro vergogna del corpo. Quanto a Louis-César Ducornet, che è nato senza braccia né femori e si è dipinto (molto bene) con i piedi, non è forse l'incarnazione dell'essenziale e sacrosanta “resilienza” contro il “validismo” ambientale?