Venerdì 7 febbraio 2003, in Carrera 7, il viale chic di Bogotà. Distretto delle ambasciate e delle residenze diplomatiche. Sono quasi le 20:00 quando un veicolo carico di 200 chili di esplosivo sfida il sistema di sorveglianza più avanzato della città. In pochi secondi, il prestigioso club di dodici piani El Nogal non è altro che una gigantesca carcassa fumante.
Simbolo dell’“oligarchia” secondo i guerriglieri, l’elegante edificio ospitò quella sera, come di consueto, esponenti dell’alta società colombiana e dell’élite politica. Alcuni festeggiavano un matrimonio, altri sudavano mangiando squash, si rilassavano nella sauna o oziavano nella vasca idromassaggio… Risultati dell’attentato attribuito alle Forze Armate Rivoluzionarie: 36 morti, 198 feriti gravi. È un miracolo, che le macerie hanno appena rispolverato: la ieratica e monumentale “Alquimia 85” (600×470 cm), scintillante capolavoro di stoffa e oro dell’artista Olga de Amaral.
Olga ha sviluppato il suo istinto artistico durante tutta l’infanzia, trascorsa tra Medellin e la campagna colombiana, seguendo gli spostamenti del padre, ingegnere minerario e imprenditore. L’immaginazione del piccolo nomade ricorderà soprattutto le chiese barocche e le abbaglianti facciate delle case della regione familiare di Antioquia. Studi di architettura. Era così talentuosa che divenne capo del dipartimento di disegno presso il Colegio Mayor di Bogotà nel 1953, all’età di 21 anni. Periodo buio.
“Alquimia 85” (600×470 cm), presso il club El Nogal, nella capitale colombiana.
© Diego Amaral
Territorio incontrollabile, frammentato da catene montuose invalicabili, la Colombia è preda della Violencia, questa guerra civile di incredibile brutalità che provocherà 300.000 morti. Distribuzione ineguale delle terre, rivalità tra politici disconnessi dalla realtà, stupri, incendi, saccheggi, massacri… La dolce Olga fugge dalla ferocia e trova rifugio negli Stati Uniti. Si iscrisse alla Cranbrook Academy of Arts, nel Michigan, dove l’insegnamento si basava sui principi modernisti del Bauhaus, un movimento che sosteneva la commistione di discipline e sperimentazione, e secondo il quale “non esiste alcuna differenza essenziale tra ‘artista e artigiano’.
Grazie all’“arte della fibra” i tessuti non verranno mai più utilizzati come arazzi
In questo terreno fertile per la libertà, Olga ha conosciuto l’arte tessile e ha deciso di farne il suo marchio di fabbrica. Tornando a Bogotà, il clima politico e sociale rimane complicato. Poiché sa che sarà impossibile trovarne uno in Colombia, porta il suo telaio dagli Stati Uniti. Anche l’accesso alle fibre, materia prima per il suo lavoro, è limitato. Così Olga li realizza lei stessa in lana e lino, li tinge a mano con coloranti naturali, gioca con trame e colori. Fondò la sua piccola impresa, impiegando tessitori locali nel suo laboratorio per progettare opere destinate alla decorazione d’interni. Ma è stato solo a partire dagli anni ’60 che si è affermata tra gli artisti della fibre art che poi si sono affermati a livello internazionale.
Il resto dopo questo annuncio
L’epoca vibra al ritmo di una nuova ondata di avanguardie – arte povera, Fluxus, land art, arte concettuale… –, decise a dare battaglia definitivamente all’accademismo di papà. Nel 1963 si tenne una piccola mostra al Museum of Contemporary Craft di New York che riunì cinque artisti emergenti del Nord America influenzati dall’antico Perù. Il loro punto comune, secondo Paul J. Smith, allora vicedirettore del museo: la creazione di forme scultoree da fili intrecciati. Grazie all’“arte della fibra” i tessuti non verranno mai più utilizzati come arazzi.
Ancora al lavoro, riprende il suo lavoro. Qui nel suo studio a Bogotà, nel 1965.
© Archivio dell’artista
Consapevole di questi sviluppi, Olga attinge alla sua formazione modernista negli Stati Uniti e alla sua conoscenza delle tecniche di tessitura latinoamericane per affinare il suo linguaggio artistico. Ha sviluppato il suo interesse per il know-how vernacolare. Durante una visita ad una donna quechua, ne rimase colpita dalla sua concentrazione e agilità e da una sorta, disse, di “intelligenza ancestrale, altamente matematica”.
Olga sperimenta come una moderna Penelope
Strati di tessuti che si intersecano, intrecci che contrastano e si snodano tra loro, nodi, intrecci, ricerca del colore, ritmo dei contrasti, lilla e verde, rosso scarlatto e rosa fucsia, giallo ocra e arancio, utilizzo del crine di cavallo per creare creazioni sempre più rigide e strutture imponenti… Olga sperimenta come una moderna Penelope. Le mostre continuarono da New York alla Biennale di Losanna nel 1969, dove per la prima volta agli artisti fu permesso di mostrare i pezzi a distanza dalle pareti e agli spettatori fu permesso di toccare le opere o attraversarle.
Il trasporto di “Gran Muro” (460×520 cm), opera in lana e crine tinto, nel 1976.
© Archivio dell’artista
Olga viaggia. Nel 1970, mentre trascorreva un pomeriggio con la sua amica, la ceramista Lucie Rie, a Londra, la sua attenzione fu attratta da un vaso che era stato riparato. “Lucie mi ha spiegato di aver evidenziato con l’oro la giuntura della riparazione, ispirandosi alla tecnica giapponese del kintsugi. Questo utilizzo ha toccato un posto misterioso nella mia mente. Quattro anni dopo, mentre vivevo a Parigi, ho iniziato a utilizzare la foglia oro in un piccolo gruppo di lavori. Da quel momento in poi questo materiale è diventato importante nel mio lavoro. Ho iniziato a cercare modi per trasformare la tessitura in superfici dorate e luminose. »
Entrare nelle opere di Olga de Amaral è anche un viaggio nella cartografia dei territori
Marie Perennès, curatrice della retrospettiva presentata alla Fondation Cartier
Allo stesso tempo arazzi, dipinti, sculture e architetture, le sue opere seducono e le commesse affluiscono nel corso degli anni ’70. Tra le più ambiziose c’è “Gran Muro” (1976), destinato al Peachtree Plaza Hotel di Atlanta: sedici pannelli sospesi. distribuito ad un’altezza di sei piani. Quadro autunnale, giallo, arancione, marrone chiaro. I colori si scuriscono ai bordi dei pannelli fino al viola, al rosa, al verde e al blu. Olga mette in scena anche le sue creazioni nella natura, poi le fotografa. Lo testimonia la sua “Aderencia”, soffice come un bruco delle brughiere dell’Altiplano, aggrappato ad un pendio roccioso, che si fonde con l’ambiente.
“Sono sempre stato abitato dal colore eppure sono continuamente alla ricerca della sua anima misteriosa. » A casa, nel 2015.
© Diego Amaral / Archivio dell’artista
“Entrare nelle opere di Olga de Amaral significa anche viaggiare nella cartografia dei territori”, sottolinea Marie Perennès, curatrice della retrospettiva presentata alla Fondazione Cartier. “Umbra 51” potrebbe rappresentare il Mar dei Caraibi che confina con il nord della Colombia. In “Strata 15” è una montagna a trasparire, forse l’iconica Sierra Nevada de Santa Marta. »
Le alte tradizioni dei nativi americani si mescolano con la geometria dell’astrazione. A partire dagli anni ’80, Olga trova la sua superficie perfetta intrecciando il lino con il cotone. Il risultato, spiega, è “un tessuto simile all’argilla da cui realizzo delle strisce che andranno a formare la materia prima. Sono costituiti da piccole unità rettangolari intrecciate, perfettamente proporzionate. Questi frammenti sono le “parole” che utilizzo per creare paesaggi le cui superfici e trame combinano varie emozioni, ricordi, significati e connessioni. » Per coprire gli spazi tra le fibre, Olga poi spennella la sua tessitura con il gesso, una sorta di rivestimento che la irrigidisce e dona alla sua tessitura un aspetto più liscio e regolare.
Questa squadra di tessitori, questo posto sono ciò che mi lega più profondamente al mio paese
Olga de Amaral
“Mi sono reso conto che il gesso e lo stucco mi permettevano di aggiungere iscrizioni e forme geometriche semplici in bassorilievo – soli, spirali, cerchi, quadrati – che arricchivano il significato delle superfici finali e conferivano loro un aspetto senza tempo, come i glifi e le iscrizioni che possono essere trovati scolpiti nelle pietre. Per nascondere l’aspetto secco e ruvido che il rivestimento conferiva ai mobili, li ho ricoperti con carta di riso. Ciò conferiva loro una lucentezza particolare, fluida e organica, che lasciava comunque intravedere ciò che si nascondeva sotto. Per finire ho applicato la foglia oro. Ognuno di questi passaggi lascia il segno. Intrecciare, unire e intrecciare gli elementi mi ha permesso di piegare, torcere e drappeggiare liberamente l’oro. Ma per realizzare i vasti paesaggi immaginari che immaginavo, avevo bisogno di maggiori quantità di elementi. Per realizzarli avevo bisogno di altre mani, di altre persone che condividessero un certo stato d’animo, un certo ritmo, il silenzio, la concentrazione e l’amore per il lavoro manuale. »
Da più di venticinque anni lavora con una squadra di tessitori. “Attraverso questo processo collettivo, ogni assemblaggio è intriso dello spirito di ciascuna di queste vite e di una patina unica. Tutti questi strati di lavoro e tempo alla fine influenzano l’aspetto della superficie finale. È difficile spiegare cosa succede in questo intervallo. I cambiamenti, le scelte fatte, il ritmo del lavoro, il silenzio o la musica, le storie personali… Questa squadra di tessitori, questo luogo sono ciò che mi lega più profondamente al mio paese. »
Intrecciando gli orizzonti della nativa Colombia e le rovine di una civiltà passata, Olga de Amaral, stella della fibre art oggi 92enne, continua a interrogarci sullo spazio e sul tempo e ci avvolge come un mago in una luce dorata, aerea e mondo iridescente come un tesoro Inca.
“Olga de Amaral”, retrospettiva alla Fondation Cartier, dal 12 ottobre 2024 al 16 marzo 2025, Fondationcartier.com.
