Nato nel 1962 a Rabat, Marc Hurtado è una figura essenziale della scena musicale e cinematografica underground. Nel 1977, con il fratello Éric, fonda il gruppo di musica industriale sperimentale Ét Donnés, che li porta a collaborare con Alan Vega, Michael Gira (Swans), Gabi Delgabo (DAF), Genesis P-Orridge (Pyschic TV), Lydia Lunch … Allo stesso tempo, Hurtado ha realizzato in proprio una serie di film in 8mm, prima di passare al digitale a partire dal 2007 con Cielo Terra Cielo. Ha poi girato un lungometraggio documentario con suo fratello nel 2012 (Jajouka, qualcosa di buono sta arrivando per te) e i ritratti dei suoi amici Alan Vega e Lydia Lunch. Di cuore in cuore è la prima opera francese interamente dedicata al suo lavoro multidisciplinare.
Scritto da una trentina di autori, accademici, collaboratori e vicini all’artista (come Lydia Lunch, Romain Perrot, Marie Möör o Pascal Comelade), Di cuore in cuore, diretto da Mónica Delgado e José Sarmiento Hinojosa, si interessa a tutti i campi artistici investiti da Marc Hurtado, per cercare di meglio identificare l’unicità fondamentale del suo gesto creativo. Regista, musicista, poeta, esecutore e artista visivo, Hurtado è un artista totale, la cui diversità di pratiche nasce dallo stesso impulso vitale. Ciò che qui si rivela in particolare è il rapporto carnale e fusionale che intrattiene con il cinema, come testimonia una scena primitiva su cui è tornato nel 2017 in un’intervista per Desistfilm (di cui qui riportiamo la traduzione francese): 14 anni adolescente tormentato da pensieri suicidi, Hurtado ricevette da suo padre la macchina fotografica 8mm con cui era stato filmato durante la sua infanzia in Marocco. Proietta poi le immagini sulla sua pancia, prima di filmarle nuovamente sul suo corpo: “ Questa proiezione era come la psicoanalisi che perforava lo specchio della mia anima. Poi ho filmato l’interno della mia stanza, catturando cose che rappresentavano la mia prigione. Questa meravigliosa macchina fotografica, una vera lanterna magica, mi ha permesso di non voler più morire. »
Come sottolinea José Sarmiento Hinojosa, l’adolescente realizza qui un doppio trasferimento, “schermo/corpo” e “macchina fotografica/corpo”: “ Hurtado estende la macchina fotografica come un’estensione della sua mano, della sua stessa biologia, del suo corpo divenuto ricettacolo di luminosità. » Filmarsi diventa il mezzo per liberarsi da una reclusione soffocante fondendosi con la macchina da presa e, inoltre, con il mondo. Da questa esperienza, Altre terre morbideil suo primo film realizzato tra il 1976 e il 1979, rappresenta un “ piangere nella notte, condizione esistenziale di un’opera che verrà », attraverso il quale il cineasta si libera dalla sua triste quotidianità. Inizialmente composto da inquadrature noiose dell’ambiente claustrofobico della sua giovinezza (finestre, muri, edifici, chiese), il mediometraggio apre allo stesso tempo un orizzonte liberatorio, soprattutto grazie alle immagini della natura che inondano il film di luce, e costituirà presto il motivo chiave del suo lavoro. Ben presto per il cineasta, filmare diventa l’atto costitutivo del suo essere-nel-mondo, un “ gesto vitale » “contro la sensazione di trovarsi accanto alla morte […] e reintrodurre la vita in esso. ».
Dissoluzione
Questo primo film ha aperto la strada alle “poesie visive” girate in 8mm degli anni ’80 e ’90. Accanto a Kenneth Anger e Pierre Clémenti, Hurtado si è affermato come un maestro della sovrapposizione, che gli ha permesso in particolare di fondere il proprio volto in un insieme di fenomeni di luce naturale. La stessa dinamica appare contemporaneamente in alcuni suoi testi, come “Aurore” (1994): “ È un fiume che scorre nei miei occhi/È l’alba bianca sulle mie spalle “. La sovrapposizione qui partecipa ad una vera esperienza metafisica del mondo dove le materialità corporee, filmiche e naturali entrano in risonanza. Lo spiega lui stesso: “ Avevo molta paura di filmare la natura, non volevo osservarla in modo contemplativo. La contemplazione filmica doveva essere un atto cieco, la natura doveva abbracciarmi, dominarmi, divorarmi, farmi scomparire negli abissi del film. […] Entrare nella natura è stato come entrare in una danza. Entrando in un universo dove non esisteva più alcuna differenza tra gli atomi della natura e quelli del mio corpo, tutto era in tutto. » Grazie alla sovrapposizione, gli elementi costitutivi del mondo sensibile si sovrappongono per entrare in coalescenza: acqua e terra, il micro e il macro, inverno ed estate si incontrano, rivelando l’unicità fondamentale che governa l’universo. I tratti del viso si dissolvono in questa natura fusionale; l’individuo svanisce per ricongiungersi al mondo restituito alla sua totalità primordiale, toccando così il “ massimo grado di realtà » per usare il titolo dell’articolo di Nicole Brenez citando Friedrich Schiller.
La creazione costituisce quindi per Hurtado un’esperienza spirituale oltre che carnale, un’articolazione che Vincent Deville analizza in particolare nel suo articolo. Nel corso della lettura emergono così due nozioni fondamentali: quelle diestasi e di trance. L’arte diventa un rito magico – che è il soggetto del lungometraggio co-diretto con suo fratello Éric, Jajouka, qualcosa di buono sta arrivando per te (2012) – abbandonarsi ad uno stato limite e farlo vivere allo spettatore/ascoltatore. In sostanza, è questa stessa ricerca che collega le diverse pratiche artistiche di Hurtado. Mentre Nicolas Ballet combina le rappresentazioni sceniche di Étant Donnés con trance dionisiache rispondendo ai principi del “Teatro della Crudeltà” di Antonin Artaud, Romain Perrot (musicista noto come VOMIR e collaboratore di Hurtado) descrive il processo di registrazione del musicista, dove quest’ultimo solleva il livello sonoro” oltre il livello ragionevolee” affinché il corpo e il suono diventino uno attraverso le vibrazioni. Riguardo alla musica di Hurtado, composta da solo o con suo fratello, Perrot conclude con alcune righe che potrebbero applicarsi altrettanto facilmente al suo cinema: ” [Sa musique], il IL creerà ancora e ancora, per prolungare quest’idea che gli piace, quella di una certa immobilità tra materia e carne, tra corpo e spirito, così come una certa distruzione, una trasparenza dell’essere che finisce nel suono, una cancellazione totale nella musica e poesia. »
Regno (1991) et Bianca (1996)
Cosmogonie
Completamente montato in “ il momento di grazia delle riprese “, i suoi film sono aperti a ciò che Hurtado chiama “ magica occasione “, presente nell’uso delle sovrapposizioni – le cui diverse immagini potrebbero essere state registrate diversi mesi dopo – come nel montaggio sonoro dei suoi film, che produce” occhi chiusi “. Con questa forza che lo guida durante le diverse fasi del processo creativo, Hurtado sostiene: “ l’universo sarà il regista dei miei film e io sarò lo spettatore. » Appropriandosi di questo lessico magico per descrivere l’artista come sciamano e le sue opere come esorcismi, incantesimi o riti, Di cuore in cuore spesso abbraccia un approccio mistico per cogliere ciò che rende poetico il cinema di Hurtado, senza oscurare l’iscrizione concreta del suo lavoro nel suo rapporto con la tecnica. L’analisi di Elisa Arca Jarque guarda così alle conseguenze che i cambiamenti nei formati di registrazione hanno avuto sul suo lavoro, con particolare attenzione alla loro ” condizioni di luce “. Il passaggio al digitale nel 2007 con Cielo Terra Cielo segna una svolta tecnologica: “ Mentre prima la luce colpiva i fotoni direttamente sulla pellicola, ora un sensore li trasforma in segnali che vengono successivamente amplificati “. Hurtado abbandonerà poi gradualmente il suo processo preferito di sovraincisione, perché per lui questo ha significato solo se è simile a un atto alchemico, che riunisce elementi eterogenei attraverso la fotochimica della registrazione – ma non è così. consente più editing digitale.
Lo spiccato interesse per la tecnica, evidente nell’uso di formati obsoleti come 8mm, Super 16, digitale grezzo o immagini provenienti da telecamere di videosorveglianza, viene regolarmente commentato per sottolineare l’acuta consapevolezza del cineasta. del suo mezzo, stabilendo un’affinità profonda, simile a quella dell’artigiano con il suo strumento. In questo senso, Hurtado segue le orme di Jean Epstein: “ Versare [Hurtado]la macchina fotografica è dotata di virtù magiche, una macchina capace di produrre nuove forme e immagini, che sarebbero rimaste nascoste nel dominio dell’inconoscibile e dell’invisibile senza l’intervento del suo meccanismo. » L’immagine non ha lo scopo di documentare o copiare la realtà; la macchina da presa non è un ricettacolo passivo e neutro, che il cineasta ci ricorda mostrando costantemente nell’immagine i segni della macchina (perforazioni nella pellicola, iridescenza della luce prodotta dal video, ecc.). Al contrario, il cinema può registrare ed esaltare potenze sotterranee che sfuggono all’occhio umano. Mondo (2018) lo attesta: girato in un laboratorio di falegnameria, conferisce una dimensione mitica a questa battaglia con la materia. Sfocatura, sovraesposizione, sottoesposizione e frenesia dei movimenti di macchina » condurci in un’esperienza sensoriale anomala » per catturare il “ elevato grado di disordine molecolare » del visibile. “Cinemain” penetra nel tessuto della realtà per ricomporla, invitandoci a osservarla con uno sguardo nuovo e a viverla in modo nuovo: è la reinvenzione del mondo resa possibile da un’arte dai poteri cosmogonici.
