“Come passeggiare in uno strano, bellissimo luna park.” È così che Tim Burton ha descritto la sua visione privata di The World of Tim Burton all'inaugurazione della mostra al Design Museum di Londra.
Un circo itinerante che inizialmente ha preso forma al Museum of Modern Art di New York nel 2009 e da allora ha visitato 14 città in 11 paesi, la mostra raggiunge ora il suo gran finale in forma ampliata e remixata nella città natale adottiva di Burton. In conferenza stampa ha ammesso di sentirsi un po' in ansia al riguardo. Ciò evidenzia una delle tensioni di fondo della mostra stessa: il contrasto tra la messa a nudo di un processo creativo intensamente personale e lo status di megastar globale di Burton.
La collaborazione della mostra con il Design Museum ha consentito la sua riformulazione come un'esplorazione della “pratica del design” di Burton (nelle parole della curatrice Maria McClintock). Traccia il complesso percorso dagli schizzi iniziali di Burton alla loro realizzazione sullo schermo.
In questo senso la mostra ha avuto successo. I visitatori hanno un'idea dello sviluppo olistico delle idee di Burton dai disegni preliminari alla loro realizzazione da parte di burattinai, scenografi e costumisti. Sono inclusi anche progetti cinematografici non realizzati e opere d'arte personali. Ciò fornisce una visione unica del processo creativo del regista.
L’opera in sé, inoltre, è gioiosa: un tripudio di colori e linee frizzante. Il Burton che emerge è irrequieto e creativo. Vediamo non solo i suoi prolifici schizzi a penna, inchiostro e acquerello, ma anche i suoi esperimenti attraverso i media con collage, pastelli, oli, acrilici su velluto, filmati amatoriali, fotografia, libri illustrati per bambini e versi comici.
Museo del design
Alcuni degli oggetti più emozionanti sono quelli più personali: fan art per adolescenti, scarabocchi sui tovaglioli, appunti di lezioni universitarie. Questi offrono un'impressione di intimità, di creatività pura che sgorga da qualche fonte nascosta del subconscio. L'allestimento della mostra rafforza questa impressione. Le porte oblique e i pavimenti a scacchiera suggeriscono che l’arte si sta riversando fuori dalla cornice nello spazio della galleria, evocando l’atmosfera da “luna dei divertimenti” commentata da Burton.
La mostra è incentrata sull'idea di Burton come autore, supportata da un fedele team di creativi, molti dei quali sono esposti qui. Un punto culminante sono le file di teste di Jack Skellington con diverse espressioni facciali, ideate dagli animatori stop-motion Mackinnon e Saunders per The Nightmare Before Christmas (1993). Altrove, c'è un vero brivido nel vedere l'iconico costume di Bob Ringwood e Mary Vogt per Catwoman in Batman Returns (1992), ora così fragile che può essere solo steso piatto e assomiglia misteriosamente alla pelle di un capannone.
La star indiscutibile tra i collaboratori di Burton, però, è la costumista Colleen Atwood. I suoi spettacolari ensemble per Edward mani di forbice (1990), Mars Attacks! (1996), Sleepy Hollow (1999), Alice nel Paese delle Meraviglie (2010) e Wednesday (2022) dominano la sala centrale della mostra. Qualcuno, per favore, le dia uno spettacolo tutto suo.
Opportunità perse
Il punto in cui la mostra ha meno successo è nei suoi tentativi di collocare Burton in un quadro culturale più ampio. Le influenze di Burton sono coperte in modo frammentario e spiegate male. Vincent Price viene confuso con l'Horror della Hammer (non ha mai realizzato un film con gli Hammer Studios) e il concetto teorico del carnevalesco viene frainteso.
Sarebbe stata gradita un'esplorazione più approfondita delle tradizioni horror a cui si ispira Burton, in particolare dell'espressionismo tedesco e degli adattamenti di Edgar Allan Poe di Roger Corman. L'attenzione ai disegni di Burton richiede anche una maggiore attenzione alle tradizioni illustrative a cui è debitore, da Ralph Steadman a Charles Addams e Edward Gorey. Trascurare questo significa sminuire l'abilità di Burton come artista che rielabora consapevolmente la tradizione gotica americana in una nuova forma distintiva.
Rob Harris/Museo del Design
L'ultima stanza, “Burtonesque”, ha il potenziale per essere la più interessante. Esplora il modo in cui l'estetica di Burton è diventata abbastanza distintiva da essere riconoscibile nel lavoro di altri artisti.
Alla fine, tuttavia, evita di porre domande approfondite sulla trasferibilità e sull’influenza stilistica. Piuttosto, esamina le collaborazioni di Burton con artisti di altri media, che si tratti dello stilista Alexander McQueen, del fotografo Tim Walker o del gruppo rock The Killers.
Questi sono interessanti di per sé ma, cosa fondamentale, Burton è ancora coinvolto in questo processo. La tradizionale uscita attraverso il negozio di souvenir rivela un altro lato di Burton, in cui la sua estetica altamente riconoscibile si è prestata a prodotti con vari gradi di connessione alla fonte originale. Il regista ha parlato apertamente dello sfruttamento del suo lavoro da parte dell'intelligenza artificiale. Ma è questo, nella cultura odierna, il logico punto di arrivo del “burtonesco”?
La mostra evita qualsiasi tipo di indagine sul marchio Burton, o anche sull'influenza di Burton su una nuova generazione di creatori. Così facendo, si perde quello che è uno dei paradossi più affascinanti di Burton: che un artista così preoccupato dalla figura dell'outsider sia stato così ampiamente accolto, con un così immenso successo commerciale.
Il lavoro di Burton solleva seri interrogativi sul ruolo e sulla popolarità dell'immaginario gotico nella cultura del 21° secolo, ma questa mostra si accontenta di restare fedele alle emozioni del luna park.
The World of Tim Burton è in mostra al Design Museum di Londra, fino al 21 aprile 2025.
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