“Matisse è una delle nostre mostre più amate”

Sì… l’impossibile è nella mostra “Matisse, invito al viaggio”, allestita in diversi luoghi della Fondation Beyeler. Senza designarli, il regista Sam Keller esamina quattro scene di interni, riunite in una stanza, così simili nell’arte di creare una vita traboccante a porte chiuse e così singolari nella loro gamma di motivi.

L’ossigeno – in Matisse possiamo dire colore, sovrano, sensibile – circola nel vuoto chiuso. A volte le finestre si fondono con l’arredamento, a volte interno ed esterno si fondono. Ma il respiro di questo pittore non imita mai la realtà. Non si dissocia mai dalla presenza dell’immaginazione. E mai, quattro anni fa, Sam Keller avrebbe osato sognare di riunire un simile quartetto per celebrare l’arte di un bambino del Nord (1869-1954) che trovò la “felicità” nella luce.

Il miracolo si è ripetuto con tre versioni di “Interno della boccia del pesce rosso” accostate senza cadere nella pigrizia del semplice invito al confronto. O con questi “Blue Nude”, ritagli stellari di un pittore, vecchio, infermo, costretto a reinventare un’arte del “disegno con le forbici”. Tutti ballano, scandendo le dinamiche di gruppo di un lavoro ossessionato dall’espressione. Sentiamo la loro sorellanza scolpita nel foglio della tempera, osserviamo la loro emancipazione dalla piattezza, le invidiamo perfino per essere così libere di arrivare all’essenziale.

“Quando riceviamo un pezzo, siamo super felici. Poi arriva una seconda risposta positiva. E anche un terzo, quindi sì… diventiamo presto avidi”, gongola apertamente Sam Keller. Ci sono stati rifiuti! Questo è il gioco delle esibizioni ma aumentano anche l’energia delle truppe per trovare altro. Da negoziare. Per insistere, ancora.

Le “Bagnanti con la tartaruga” – una tela tanto sintetica quanto densa, tanto narrativa quanto enigmatica – potrebbero testimoniarlo. Lasciando raramente la cornice del Museo d’Arte Saint-Louis, aumentano la forza magnetica dell’insieme e fanno dimenticare le riserve espresse dai curatori dell’ultima grande retrospettiva di Matisse in Svizzera – diciotto anni fa nello stesso luogo – convinti di aver “ha toccato i limiti di ciò che è fattibile in termini di costi e assicurazione.”

Fare a meno della Russia

Questa volta si tratta di una trentina di prestatori per una settantina di pezzi, in arrivo dagli Stati Uniti e da tutta Europa. Ma “La Danza” è rimasta appesa a San Pietroburgo come un audace capolavoro del XX secolo.^e secolo. Come il trionfante “Desserte rouge” di Matisse, spirito tutelare del nucleo degli artisti Fauve.

“Certo, se non ci fosse stata la guerra, avremmo chiesto dei prestiti”, risponde Sam Keller. “Ma questa è una questione di integrità, ora non è il momento di collaborare con i musei statali russi. All’inizio pensavamo alla difficoltà di farne a meno, ma con quello che abbiamo ottenuto, sussurra, questi prestiti non mancano davvero per percorrere e raccontare quasi sessant’anni di creazione.

Una rivoluzione in appena dieci anni

E si comincia forte con “La desserte” (1896-1897), questa erede della lezione impressionista che i suoi proprietari accettarono di prestare per la prima volta dopo trent’anni. Di fronte, l’idea del colore, una sensazione di luce, si insinua già nel sepolcrale “Nu au chausier rose” (1900) prima di accendersi, giubilante in “La terrazza a Saint-Tropez” o sperimentale nel tocco divisionista di “ Lusso, calma e voluttà”, dipinto realizzato nello stesso anno, 1904. Senza un vero seguito, mancando la singolarità desiderata. Matisse la troverà viaggiando ancora più lontano, in Oriente e nell’intensità emotiva del colore.

“Mostrare l’importanza e la straordinarietà di questo sviluppo è uno dei motivi principali per fare una retrospettiva”, osserva il curatore, Raphaël Bouvier. Paesaggi, donne, odalische, nature morte, tutti i temi sfilano in questo percorso che alterna dipinti e sculture per sottolineare la dinamica di un lavoro autofecondante.

Inoltre, c’è sempre un Matisse in diagonale rispetto all’altro, allo specchio o in agguato, prova dell’infinita ispirazione dell’artista tanto quanto un ammiccamento giocoso, persino malizioso, del curatore. Come questa nudità allungata che strizza gli occhi verso un’altra, catturata da dietro. Oppure questa foresta di teste in bronzo che fondono lo stesso sguardo a 360 gradi. O anche questa silhouette scolpita che mimetizza con quella del “Grande nudo disteso”.

È una delle icone del Baltimore Museum of Art e uno degli scatti più belli della mostra alla Fondation Beyeler. E come per tutti gli altri, ad eccezione delle spese di viaggio e di assicurazione, per ottenere il prestito non sono stati spesi dollari. La pratica potrebbe essere corrente in alcune istituzioni americane, ma Sam Keller non funziona. “Quando lasciamo viaggiare un’opera è per condividerla con il pubblico. Il denaro non dovrebbe mai essere un movente! Non lo chiediamo, non lo paghiamo. Ma ci scambiamo molto volentieri, questo è ciò che ha reso possibile la pubblicazione dei pezzi da Saint-Louis e Baltimora.”

“Una mostra abbondante”

Poiché la Fondazione Beyeler conta per il successo di una simile retrospettiva, il regista non lo nega. Il nome è rispettato nel mondo dei musei, ha la sua fiducia e una massa critica di visitatori che lo sostengono. Oltre a ciò, non ci sarebbero altri segreti di produzione se non quello di riuscire a riunire i mezzi necessari. Sam Keller ammette valori assicurativi “intorno” ai 2,5 miliardi di Gauguin appesi nel 2015 e presenta qui “una delle tre mostre più costose con questo stesso “Gauguin” e “Il giovane Picasso” del 2019. “Abbiamo avuto bisogno di molti supporto, dice. Senza di loro la mostra non sarebbe così numerosa”.

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