Chi è Tarsila do Amaral, pioniera dimenticata dell’arte moderna brasiliana, svelata in una grande mostra a Parigi?

Tarsila do Amaral nacque nel 1886 nella piantagione di famiglia, due anni prima dell’abolizione della schiavitù in Brasile. Appartiene alla classe sociale dei baroni del caffè dello stato di San Paolo, dove suo nonno, soprannominato “il milionario”, non ne ha meno di 22 fattorie, o proprietà agricole. Tarsila ricevette l’educazione di una giovane ragazza dell’alta borghesia, dipingeva e suonava il pianoforte. Il mondo francofono è al passo con i tempi; legge Victor Hugo nel testo e canta La Marsigliese sotto la direzione del suo tutore belga.

Una gioventù cosmopolita dei ruggenti anni Venti

La famiglia viaggia e, in quel momento, viaggio significa l’Europa, dove Tarsila soggiorna per due anni in un collegio a Barcellona. Aveva solo 18 anni quando, al suo ritorno, si sposò con un lontano cugino dal quale ebbe una figlia, Dulce, nel 1906. Grazie al sostegno economico del padre e nonostante l’opposizione del resto della famiglia, si separò dal marito nel 1913 e si stabilì a San Paolo. Dopo aver concluso un matrimonio infelice, Tarsila decise all’età di 29 anni di dedicarsi alla pittura. Prende lezioni da pittori accademici e fa il grande passo nel 1920 partendo per Parigi, la capitale delle arti, dove si iscrive all’Académie Julian.

Tuttavia, lo shock della modernità gli capitò a San Paolo nel 1922, dove i protagonisti della “Settimana dell’Arte Moderna” avevano appena ribaltato i valori consolidati. “Contaminato dalle idee rivoluzionarie dell’euforica e graffiante avanguardia paulista”come confidò nel 1950, tornò a Parigi alla fine del 1922, scegliendo i suoi insegnanti che questa volta si chiamavano André Lhote, Fernand Léger e Albert Gleizes.

UN Caipirinha vestito da Poiret

Descritta così dal suo nuovo compagno, il poeta brasiliano Oswald de Andrade (1890-1954), Tarsila, bella, colta ed elegante, mescolata all’avanguardia parigina, organizzava nella sua casa, rue Hégésippe Moreau nel 18° arrondissement, incontri brillanti dove incontriamo Blaise Cendrars, Constantin Brancusi, Robert e Sonia Delaunay, Pablo Picasso e Léonce Rosenberg. Un piede a Parigi dove, nel pieno del primitivismo, il suo esotismo seduce e un piede in Brasile, dove la sua conoscenza dell’avanguardia parigina affascina, Tarsila approfitta della sua situazione e sviluppa un linguaggio visivo unico, sintesi tra una nascente Brasilianità e un moderno alfabeto cubista. Con una foglia di banana stilizzata sullo sfondo per qualsiasi arredamento, Il Nero (1923) raffigura così, utilizzando forme tubolari, un ex schiavo nero.

Entrambi estremamente ricchi, innamorati e in sinergia intellettuale, Tarsila e Oswald intrapresero nel 1924 una serie di viaggi in Brasile che ampliarono ulteriormente il loro vocabolario, poi nel 1926 si recarono in Grecia, Turchia, Israele e Libano. Nello stesso anno viene inaugurata a Parigi, presso la galleria Percier, la prima mostra personale delle opere di Tarsila, in cornici di Pierre Legrain. Per l’artista è una consacrazione. Il suo lavoro Cuck (1924) che rappresenta un bestiario esotico e immaginario, entra nelle collezioni nazionali francesi. Tornato in Brasile, Tarsila dipinse nel 1928 Abaporu, che significa nella lingua indigena Tupi-Guarani “uomo che mangia un altro uomo”, e che regala a Oswald per il suo compleanno. Tra le opere più emblematiche dell’artista, il dipinto ha ispirato Oswald Manifesto antropofagotesto fondamentale della modernità brasiliana che pubblicò pochi mesi dopo, con l’unica illustrazione di un disegno di Tarsila raffigurante questo personaggio con un piede enorme e una testa minuscola.

Attraversando il deserto

Nell’estate del 1929, Tarsila, all’apice del successo, espone per la prima volta nel suo paese, a Rio de Janeiro e San Paolo, dove presenta anche i gioielli della collezione personale che aveva costruito a Parigi. Il pubblico stupito scopre opere originali di Brancusi, De Chirico, Delaunay, Léger, Lhote, Miró, Picabia e Picasso. L’autunno successivo somiglia a un cataclisma. Il crollo della borsa di New York porta al crollo dei prezzi del caffè. La sua famiglia è rovinata, le proprietà ipotecate. Nello stesso tempo Oswald si innamora di un giovane scrittore, Pagù, e la coppia si separa.

A 44 anni, Tarsila deve cambiare il suo stile di vita e, per la prima volta, lavorare per mantenersi. Ha ricoperto per un breve periodo la carica di curatrice presso la Pinacoteca di San Paolo e ha iniziato a scrivere colonne per il giornale «Diario di San Paolo»(tra il 1936 e il 1954). Continua a dipingere ma ora deve rispondere a commissioni. Il mondo sta cambiando e anche Tarsila. Con il suo nuovo compagno, lo psichiatra e intellettuale di sinistra Osório César (1895-1979), fece nel 1931 un viaggio in Unione Sovietica che la entusiasmò, vendendo parte della sua collezione per finanziare la spedizione. Al suo ritorno, a San Paolo è scoppiata la rivoluzione costituzionalista, ma il presidente Getúlio Vargas è rimasto al potere e Tarsila è stata incarcerata per un mese a causa del suo recente viaggio in URSS.

La nuova coscienza sociale che lo anima si legge nei suoi dipinti, la cui iconografia e stile si tingono di realismo socialista con Lavoratori (1933), cambiamento. Nel 1933 si separò da Osório César e conobbe lo scrittore Luís Martins (1907-1981), di ventuno anni più giovane di lei, con il quale mantenne una relazione fino al 1951. Negli anni Quaranta, affrontò un nuovo stile onirico, dove personaggi sproporzionati fondersi con la natura. Tarsila, che continuò a partecipare a mostre collettive, dovette aspettare fino agli anni Cinquanta perché venisse svolto un vero e proprio lavoro critico sul suo lavoro. La retrospettiva organizzata nel 1950 al Museu de Arte Moderna di San Paolo la riportò alla ribalta.

L’anno successivo viene scelta per rappresentare il Brasile alla prima Biennale di San Paolo. A 66 anni, Tarsila è finalmente riconosciuta come una delle figure più importanti del modernismo brasiliano. Divenuta paraplegica in seguito a un’operazione alla colonna vertebrale, la sua fine di vita fu oscurata dalla morte della figlia Dulce nel 1966. Partecipò tuttavia all’inaugurazione della grande retrospettiva a lei dedicata dal Museu de Arte Moderna di Rio de Janeiro e dal Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo nel 1969, prima di morire il 17 gennaio 1973.

I vantaggi della mostra

Con l’ambizione di far conoscere un’artista moderna e di punta in Brasile e praticamente sconosciuta in Francia, la mostra abbraccia tutta la sua carriera senza ignorare il periodo finale, dagli anni Quaranta fino alla sua morte. Cronologico, il percorso contestualizza l’opera nel paesaggio naturale e urbano brasiliano dell’epoca, grazie a grandi ingrandimenti fotografici.

Il minimo

Abaporu (1928) non fece il viaggio da Buenos Aires. Emblematica, l’opera può essere scoperta al Museo de Arte Latinoamericano di Buenos Aires. Acquistato da un collezionista argentino, Eduardo F. Costantini, per 2,5 milioni di dollari nel 1995, il dipinto è stato donato al museo nel 2001. Il museo solitamente rifiuta di separarsene Monna Lisa dell’arte moderna sudamericana.