L’illuminazione e il visual design per il settore live sono una miscela bollente di creatività e tecnologia, ma la miscela finale prevede anche una forte dose di ascolto e collaborazione. Dopotutto, un designer raramente può semplicemente calpestare la propria direzione senza alcun input da parte dell’artista che si esibirà davanti alla tela fotonica che ha preparato.
E poiché ogni atto è diverso con esigenze e visioni diverse, il successo dei team luci e visivi si basa anche sull’agilità e sulla flessibilità.
Considera gli atti per cui il collettivo di designer Lightswitch ha lavorato nell’esplosione dal vivo post-pandemia: la straordinaria colonna sonora Hans Zimmer, la megastar latina che riempie gli stadi Karol G, il favorito alternativo Beck, che ignora il genere, il bizzarro comico monologo Eddie Izzard, persino una competizione di eSport al Brooklyn’s Barclays Center per lo sparatutto in prima persona Overwatch.
Ciò che funziona per Zimmer mentre dirige un’orchestra attraverso il tema impennato della serie “Pirati dei Caraibi” non è esattamente ciò che Izzard cerca mentre racconta la sua storia di “Torta o Morte”.
Ma… è più o meno la stessa cosa, dice il preside e amministratore delegato John Featherstone di Lightswitch, da circa 31 anni. “Fondamentalmente per noi si tratta di due parti”, afferma. “La prima parte è la narrazione. Eddie sta raccontando una storia che è altrettanto importante per Eddie quanto le storie di Karol lo sono per Karol come quelle di Beck lo sono per Beck come quelle di Hans lo sono per Hans, quindi è capire cosa vuole dire quell’artista.
E la chiave di Lightswitch è ciò che il team chiama “design pragmatico”, che informa le conversazioni che il team ha con i clienti.
“Diciamo che sei su un aereo e ci sono due persone dietro di te che parlano del tuo spettacolo”, ha ipotizzato Featherstone. “Cosa vuoi che dicano? Stai leggendo i social media. Quali sono le cose importanti che vuoi che le persone dicano del tuo show? Quindi raccogliamo tutto quell’oro e lo sciacquiamo attraverso quello che chiamiamo design pragmatico, ovvero assicurandoci di rimanere autentici rispetto a tre grandi fattori.
Questi fattori sono simboleggiati nel logo dei cerchi intrecciati dell’azienda.
“Questo è il simbolo della creatività, della finanza e della logistica”, afferma Featherstone. “Pensiamo che il nostro lavoro come designer sia prendere la storia dei nostri clienti, la loro missione, la ragione per cui lo fanno e rendere la sovrapposizione di questi tre elementi quanto più grande possibile. Vogliamo massimizzare la creatività, massimizzare il ritorno finanziario e massimizzare la logistica”.
Chris Medvitz, anche lui preside e amministratore delegato, afferma che l’equilibrio è ciò che differenzia un designer da un artista.
“Se tutto ciò che dobbiamo fare è preoccuparci della parte artistica, allora direi che siamo artisti e non designer e che l’artista è ciò che è la persona o la band sul palco, giusto?” dice. “Il lavoro di un designer è che devi essere responsabile di quelle altre cose, devi essere responsabile del fatto che tutto questo deve esistere nel mondo reale, deve essere visitabile, deve adattarsi ai luoghi. Puoi fare lo spettacolo più folle, ma alla fine del tour l’artista dice ‘Bene. Perché non ho guadagnato soldi?’”
E queste preoccupazioni pratiche devono informare quelle artistiche, il che significa lavorare in modo olistico non solo con gli artisti ma con i tour manager e altro personale dietro le quinte.
“Sono stato molto lusingato dal fatto che, dopo lo show di Hans a Oakland, uno degli addetti al palco che conosco da molto tempo sia venuto da me e mi abbia detto che si trattava di uno show da 15 camion, ma sembrava che ne fossero 10. Si tratta di essere sicuri che stai mantenendo tutto in equilibrio e lavorando all’interno di questi paraurti”, afferma Medvitz.
Dal punto di vista tecnico, l’avvento e il progresso dei LED hanno rappresentato uno spartiacque, consentendo maggiore flessibilità e creatività e producendo anche meno rifiuti, poiché i LED devono essere sostituiti molto meno spesso rispetto ai loro antenati a incandescenza. Ma Tyler Elich, il preside e amministratore delegato che ha lavorato, tra gli altri progetti, ai tour di Izzard e all’evento Barclay’s Overwatch, ha affermato che il prossimo grande cambiamento potrebbe arrivare dalla più grande parola d’ordine tecnologica del momento: l’intelligenza artificiale.
“C’è già una scatola in cui colleghi la tua musica e crea una sorta di spettacolo di luci e per una piccola band, non è poi così male”, dice. “Non credo che nei prossimi 10 anni noi tre saremo sostituiti dall’intelligenza artificiale, ma stiamo iniziando a utilizzare tutti questi strumenti di intelligenza artificiale.”
Il fatto è, dice Elich, che gli artisti sono ancora esseri collaborativi e, come tutte le persone, hanno bisogno di feedback umano.
“È facile dire: ‘Oh mio Dio, sarà la fine del mondo come lo conosciamo’, quando in realtà è uno strumento di cui possiamo scegliere di avere paura e verrà adottato male oppure possiamo afferrarlo e concentrarci e usarlo per liberare la creatività piuttosto che sostituirla”, afferma. “Penso che la connessione umana sia ciò che conta in definitiva. Un artista non vuole assumere un’intelligenza artificiale, non vuole avere un palco davanti a casa. Vogliono avere un essere umano con cui parlare dopo lo spettacolo e quella connessione umana è davvero al centro di ciò che facciamo.
E quella connessione umana può manifestarsi nei luoghi più improbabili: come una competizione di videogiochi in un’arena di Brooklyn.
“Ho fatto migliaia di spettacoli, concerti, grandi eventi, ma vedere tante persone così entusiaste, riunirsi per la loro passione condivisa che hanno fatto da soli e ora sono circa 20.000 i loro amici che sono tutti lo stesso nerd più o meno la stessa cosa e possono innervosirsi, urlare e dare di matto”, dice Elich. “Non ho mai sentito un evento più potente di quello.”
