Michaël Borremans, il pittore dell’enigma

Ritroviamo con grande piacere le sue opere – più antiche o più recenti e mai viste prima – che sono entrambe superbamente dipinte nello stile degli antichi maestri e sono intrise di enigma. Regna una dolcezza mista ad una strana violenza contenuta in scorci apparentemente banali che a volte sembrano tratti da vecchi album. Nella galleria dei ritratti nell’ultima stanza nessuno guarda dritto. Siamo di fronte ad una stranezza inquietante che Freud o Magritte non avrebbero negato. Uno sguardo alla nostra umanità.

Borremans è un artista figurativo e anche narrativo. Ci racconta storie con le sue opere alle quali aggiunge titoli enigmatici. Ma queste narrazioni ci sfuggono. Non ci dà le chiavi. La storia si svolge davanti a noi e ne vediamo solo strane tracce. Il viso di questa bambina con gli occhi chiusi: è morta? Sta dormendo? Questi buffi cappelli da papa, a cosa servono? Da quale passato nascono?

La mostra di Borremans al Bozar

Il ritratto di un ragazzino sembra molto classico ma dai suoi occhi escono due raggi, sia i raggi della santità nei dipinti antichi che i raggi laser di oggi. In Il coperchio, dipinse un corpo giovane, apparentemente in buona salute, ma con il volto coperto da un coperchio, che ricorda le monete poste sui defunti affinché pagassero il viaggio verso il regno dei morti.

In Fuoco dal sole, vediamo cherubini apparentemente caduti in disgrazia, che rosicchiano le membra perdute. In questa mostra, queste sono le uniche figure che non restano ferme.

Non c’è quasi mai sangue o sofferenza esplicita. Ma l’ansia spesso è ancora più forte. Michaël Borremans evita qualsiasi dettaglio che possa datare o collocare geograficamente il soggetto.

Anche se ha iniziato a dipingere tardi (33 anni) dopo essere stato inizialmente disegnatore, appartiene alla stirpe dei grandi pittori della storia dell’arte, come Velázquez, Chardin o Manet, artisti che ammira, pur creando opere profondamente contemporanee. lavoro.

La prima stanza con tre piccoli quadri è come un annuncio del seguito?

C’è una maschera, come un volto anonimo ma trasparente. È una natura morta che vibra di colori e ombre. Di fronte c’è Dormiente, un bambino addormentato, che ricorda anche la morte. La maschera è più animata della persona! In tutto il mio lavoro c’è questa tensione tra ciò che è animato e ciò che è morto. Le lancette rosse e verdi sono le mie ma anche quelle dello spettatore. Volevo solo esporre i quadri a Voorlinden in questa serie di stanze bianchissime, quasi sacre. È una selezione dei miei quadri preferiti, più dei miei quadri più conosciuti. A me, ad esempio, piace il quadretto con una scarpa e un mattoncino.

Il titolo della mostra “A Confrontation at the Zoo” è strano.

Si ispira all’ultima sala, con undici ritratti che non hanno alcuna funzione, che non hanno nulla a che fare con l’individualità dei modelli. Mi piace sconvolgere il genere del ritratto. A volte ci metto espressamente la stranezza, ma spesso è spontaneo legato alla mia personalità. Ci vorrebbe la psicanalisi, cosa che non ho fatto, per saperlo.

Parliamo dei tuoi quadri, Van Eyck, Chardin?

Puoi aggiungere Velázquez, Manet, Goya, ho molti preferiti. Cerco di dare più strati ai miei quadri: una persona può apprezzare la poesia, un’altra cercherà il concetto nascosto dietro, un’altra ancora apprezzerà la metafora o un dialogo implicito con pittori del passato. Mi piace che un dipinto abbia diverse ragioni per esistere.

Mercato dell’arte: record per Michael Borremans

Prendiamo l’esempio di The Egg con sei dipinti quasi identici, di una ragazza che mette le mani su un uovo. O fuoco dal sole?

In “The Egg”, la ragazza mette le mani sull’uovo, non lo tocca e potrebbe schiacciarlo. Lo lascio aperto. È questa tensione implicita che mi interessa, come la ripetizione di questa immagine che dà una sensazione di urgenza. Sulla parete opposta si trova un’altra ripetizione con una ragazza che mangia una fetta di pane tostato. Inizialmente non avevo l’idea di fare delle serie. Ma quando li ho allineati contro il muro del mio studio mi sono detto che era un’installazione magnifica. Jan Hoet, a cui piacevo, l’ha adorato. “Fire from the Sun” è completamente diverso. Si tratta di una serie di dipinti di grandi dimensioni, molto teatrali, più animati dei miei soliti lavori, che ho realizzato per una mostra a Hong Kong. Con bambini piccoli dipinti di rosso che giocano con sangue e arti mozzati. E questo fa pensare al cannibalismo, alla violenza, ma legato a bambini piccoli presunti innocenti. Nella storia dell’arte i bambini sono sempre dei cherubini, degli angeli. Volevo cambiare la situazione. È bellissimo ed è un po’ scioccante allo stesso tempo. Ciò fornisce un commento sulla condizione umana, sulla violenza, sul modo irresponsabile in cui consumiamo il nostro mondo. Questa serie ha suscitato alcune polemiche sui social media in Asia e America. Finalmente sono diventato un artista controverso! (sorriso).

La tua arte ha un significato politico?

È quasi sempre un commento sulla condizione umana. Ma a volte è più toccante, come qui. Non è mai diretto, letterale. Non faccio mai illustrazioni semplici. Siamo condizionati a vedere le immagini come illustrazioni per manipolarci o per affascinarci. Non tutti siamo consapevoli del loro potente impatto psicologico e di come influenzano la politica e l’economia. I nazisti lo usarono in modo molto efficace. L’arte può quindi essere una forza per contrastare tutto ciò. Lo vediamo chiaramente con il successo dei musei e come le persone cercano cose diverse che diano loro consapevolezza, identità fuori dal mondo dei consumi. Cerchiamo il senso nelle cose e spesso lo cerchiamo nei quadri perché sono ogni volta unici.

Sei un punto di riferimento nell’arte contemporanea, ma cosa significa per te? Quali sono gli artisti attuali che apprezzi?

L’arte contemporanea sta andando in tutte le direzioni, è molto interessante. Siamo in un periodo rivoluzionario. Prima c’era un’evoluzione, delle avanguardie, adesso c’è tutto e vediamo tanti artisti che fanno sintesi. Tutto è diventato possibile e tutto è diventato, inoltre, accettato! Ogni artista è la sua avanguardia. Dà anche una sensazione di caos che è una forma di energia. Mi piacciono gli artisti contemporanei che sono molto diversi da me, come Paul McCarthy perché è davvero pazzo, mi ispira, ha coraggio, osa fare tutto, lo ammiro. Non ha limiti, è selvaggio. Ma amo anche Miriam Cahn da vent’anni, il suo lavoro è molto speciale, è magnifico. All’inizio non sapevo cosa pensarne, ma più conosco il suo lavoro più lo apprezzo. È pazzesco ma anche molto commovente. Usa colori molto forti e strani.

La tua galleria belga, Zeno X, sta chiudendo, non sei più rappresentato in Belgio?

Lavoro esclusivamente con David Zwirner che è presente in tutto il mondo. Mi è molto comodo e mi dà molta pace. Può investire su di me.

Celebriamo il centenario del manifesto surrealista. Ti senti nella loro stirpe?

Naturalmente seguendo il movimento Dada e il surrealismo. Sono molto influenzato da creatori come Bunuel o Man Ray. Anche Magritte, certo, ma è nel mio inconscio. Da bambini eravamo già immersi nel suo mondo come in quelli di Van Eyck ed Ensor. Questi pittori sono nelle nostre radici. Naturalmente c’è l’arte belga. Il Belgio è certamente un paese abbastanza giovane, ma c’è un atteggiamento, una cultura belga, come dimostrano Tintin, Arno o Bruxelles che è così belga con tutti i problemi del Belgio. È triste che la prima competenza divisa tra le due comunità sia stata la cultura. Voi francofoni, per esempio, avete dei registi magnifici, sapete usare questa lingua con la sua poesia a differenza di noi fiamminghi. I Dardenne, i Bouli Lanners… Esiste una cultura cinematografica unica. Nelle Fiandre non sappiamo cosa succede a livello culturale in Vallonia, non c’è abbastanza comunicazione. Il mio laboratorio a Ronse è vicino al confine linguistico.

Michaël Borremans, Museo Voorlinden, vicino all’Aia, fino al 23 marzo. Potete abbinare la visita a quella della bellissima mostra di confronto su Notte e oscurità e Spilliaert e Dirk Braeckman al Kunstmuseum dell’Aia fino al 12 gennaio.