Marc Feustel è il curatore di due mostre chiave dell’edizione 2024 del T3 Photo Festival Tokyo: “Alternative Visions A Female Perspective” e “The Wall vs the Page”.
Iniziamo innanzitutto con la mostra “Visioni Alternative. Una prospettiva femminile.” Qual è la sua genesi?
Nel 2017 sono stato invitato dal T3 Photo Festival come relatore sulla percezione occidentale della fotografia giapponese. Sono rimasto piuttosto sorpreso nel vedere quanto il pubblico giapponese fosse interessato a questo argomento. Poi Ihiro Hamayi, direttore del festival, mi ha contattato per immaginare una mostra intorno al cinquantesimo anniversario della mostra del MoMA “Nuova fotografia giapponese”. È una mostra a cui ho guardato molto negli ultimi anni, nel mio viaggio nella fotografia giapponese del dopoguerra. L’idea non è semplicemente quella di spegnere le candeline, ma di guardare retrospettivamente a questa mostra, alla sua influenza nel tempo e a decostruire i diversi elementi della mostra. Questa mostra si basava su una curatela particolare: l’idea di riassumere la fotografia giapponese attorno a 15 artisti in un momento in cui le informazioni circolavano con difficoltà. Non solo 15 artisti, ma 15 artisti contemporanei, la maggior parte giovani.
Tuttavia, ci sono difetti e carenze.
Sì, volevo vedere ciò che non era stato mostrato in quel momento. Ho proposto due concetti. La prima basata sul fatto che tra i 15 fotografi presentati non c’erano fotografe donne. Era quindi necessario creare una mostra che si concentrasse sulle fotografe donne attive nello stesso periodo, che avrebbero potuto essere prese in considerazione. L’idea non era quella di trovare artisti totalmente sconosciuti, ma artisti già pubblicati su riviste, che avevano già disegnato un libro, che avevano già esposto, che esistevano in un certo modo nel mondo della fotografia dell’epoca.
Perché la mostra del MoMA non presentava donne?
Il mondo della fotografia in Giappone era completamente dominato dagli uomini. Sayuri Kobayashi del Museo d’Arte Moderna di Tokyo ha condotto una ricerca esaminando l’elenco dei fotografi professionisti registrati presso la Japanese Professional Photography Society. Nel 1966, solo sei erano donne su oltre 400. Nel 1974, solo 27 su 950.
Tuttavia, alcuni artisti erano apparsi in Camera Mainichi, a cura di Shōji Yamagishi. Ciò che non sappiamo, o non so io, è fino a che punto John Szarkowski e Shoji Yamagishi, i curatori della mostra del MoMA, considerassero minore il lavoro di questi fotografi rispetto a quello degli uomini. Ma all’epoca negli Stati Uniti ci furono critiche piuttosto virulente. Ed è impensabile immaginare, visto il contesto sociale e politico degli anni ’70, che non ci abbiano pensato.
Tra i sei artisti esposti al T3 Photography Festival di Tokyo — Hisae Himai, Tamiko Nishimura, Toshiko Okanoue, Toyoko Tokiwa, Hitomi Watanabe, Eiko Yamazawa — c’era uno di loro dominante, come lo era Moriyama ai suoi tempi?
Ciò che colpisce è che tutti questi artisti erano diversi l’uno dall’altro. Incarnano una diversità di pratiche davvero impressionante. A quel tempo, questi fotografi avevano spesso realizzato solo un singolo progetto, un libro, se non una mostra. Non erano riusciti a iniziare una carriera, e questi progetti avevano probabilmente richiesto uno sforzo abbastanza colossale per convincere un editore a pubblicare un libro di una donna su un argomento. Il paragone con Moriyama non è possibile, e ricordiamo che quest’ultimo nel 1974 ebbe una sola serie presentata rispetto alla sua produzione piuttosto diversificata, quando Shomei Tomats. Nella nostra mostra, Eiko Yamazawa è stato forse l’unico che ha iniziato ad avere una carriera più ampia. Aveva viaggiato negli Stati Uniti, lavorato lì con un importante fotografo americano, poi aperto uno studio fotografico svolgendo un ruolo educativo e diventando una figura nel mondo della fotografia, incoraggiando molte donne in particolare a farsi fotografare.
Toshiko Okanoue o Hitomi Watanabe, per citarne solo alcuni, potevano guadagnarsi da vivere con la loro professione nel 1974?
Qui ci sono due casi abbastanza diversi. La serie mostrata nella mostra di Watanabe cattura le proteste studentesche del 1968 e del 1969 in Giappone, che furono tra le manifestazioni più violente della storia giapponese moderna. Ha iniziato i suoi studi al Tokyo College of Photography nel 1967. Watanebe ha iniziato a fotografare negli anni ’50, ma ha interrotto tutto il suo lavoro artistico dopo essersi sposata… Questo è tutto.
Puoi dirci di più sul lavoro di Okanoue, che è molto vicino al surrealismo?
Afferma chiaramente l’influenza del surrealismo. Inoltre non è l’unica nella mostra, con Imai Hisae. Il Giappone è sempre stato molto interessato ai movimenti artistici nati all’estero. Traeva molta ispirazione da ciò che accadeva in Occidente, in Europa e negli Stati Uniti. Anche quando il Paese era chiuso in se stesso, c’era sempre il desiderio di provare a capire cosa si stava sviluppando altrove. La fotografia ne è la sintesi. Okanoue era vicino al surrealismo letterario. Non è una fotografa, non realizza immagini proprie, ma utilizza quelle esistenti, prese da riviste occidentali come La vita, Vogue. I suoi lavori sono molto in sintonia con l’immagine trasmessa in queste riviste di come dovrebbero essere le donne. Oggi molti artisti non creano immagini, ma utilizzano immagini esistenti. Ma in Giappone, in questo periodo, è unico nel suo genere.
Qual è il secondo progetto sviluppato con il festival?
L’altra mostra è un’altra osservazione. La “Nuova fotografia giapponese” al MoMA non ha presentato quasi nessun libro. Tuttavia il libro fotografico era assolutamente centrale in Giappone a quel tempo. Mi venne l’idea di creare una sala lettura, per presentare i libri della serie esposta a New York nel 1974. Dico libri, ma anche riviste, che rimasero fondamentali in quel periodo. La stragrande maggioranza dei libri proviene dalla straordinaria collezione di Isawa Kōtarō, grande collezionista di libri fotografici e fondatore della rivista Già visto. Ora è proprietario della caffetteria Kawara Coffee Labo, dove gran parte della sua collezione è liberamente accessibile, aperta alla lettura. Il libro è fatto per essere consultato, qualunque sia la preziosità del libro, il lettore deve saperlo tenere in mano, saper girare le pagine, sfogliarlo, guardarlo e scoprirlo come esplorazione e non come oggetto fisso.
Presentiamo anche in un’altra sala le nuove edizioni o facsimili di questi libri originali pubblicati negli ultimi anni.
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